Чтобы связаться с «Alinanatali69», пожалуйста, войдите или зарегистрируйтесь.
Личные блоги и дневники
Размышления, сообщества, идеи и обзоры
Живопись Мира - живопись, плейкасты, конкурсы
Alinanatali69Alinanatali69
Заходила 6 часов 44 минуты назад

Японская живопись

­­



(яп. 絵画 кайга, «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств,
характеризуется широким разнообразием жанров и стилей.
Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе
и изображение её в качестве носительницы божественного начала.
 Другим предметом, широко распространённым в японской живописи,
является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин,
которые часто переполнены фигурами и деталями.
Эта традиция, несомненно, началась в период раннего средневековья под влиянием Китая,
но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня.
википедия подробнее... 
Период Нара
С дальнейшим развитием буддизма в VI и VII веке в Японии процветала религиозная живопись, используемая для украшения многочисленных храмов, возведённых аристократией, но в целом в период Нара в Японии вклад в развитие искусства и скульптуры был больше, чем в живопись. Ранние из сохранившихся картин этого периода включают росписи на внутренних стенах храма Хорю-дзи в префектуре Нара. Эти росписи включают рассказы о жизни Будды Шакьямуни.

Период Хэйан
Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения. С этого времени в Японии начинают появляться записи о наиболее талантливых художниках, в том числе Косэ Канаоке

Период Муромати
В XIV-XVI веках развивается стиль суми-э (монохромная живопись тушью).

Адзути-Момояма
В резком контрасте с живописью периода Муромати выступает живопись периода Адзути-Момояма (1573—1603). Ей характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги. В то время большой известностью и престижем пользовалась школа Кано. Её основатель Эйтоку Кано занимался росписью стен потолка и раздвижных дверей для разделения комнат. Такие расписные элементы служили украшением замков и дворцов военной знати.

Период Эдо (1603—1868)
В этот период искусство впервые обращается к темам повседневности - мир чайных домов, театра Кабуки, борцов сумо. Появление гравюры на дереве было связано с демократизацией культуры, поскольку гравюре свойственна тиражность, дешевизна и доступность. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называться укиё-э. Развитие гравюры связано с художником Хисикава Моронобу, который изображал незамысловатые сцены из жизни обитателей чайных домов, ремесленников, совмещая на одной гравюре разнообразные не связанные между собой события. Японская гравюра в 1780-1790 гг. вступает в период расцвета. Судзуки Харанобу впервые применил приём раската, создающий переход от темного к светлому тону, варьировал толщину и фактуру линий. Он не заботился о реальной расцветке, море на его гравюрах розовое, небо песочное, трава голубая, все зависит от общего эмоционального настроя сцены.

Период Мэйдзи
Со второй половины XIX века было отмечено разделение искусства на конкурирующие европейский и традиционный стили. Во время периода Мэйдзи Япония подверглась большим политическим и социальным изменениям в процессе европеизации и модернизации, организованной правительством. Западный стиль живописи официально продвигался правительством. Перспективные молодые художники были посланы за границу для учёбы, а иностранные художники приезжали в Японию для разработки школьной программы по искусству.

Тем не менее, после первоначального всплеска интереса к западному художественному стилю, маятник качнулся в противоположную сторону, произошло возрождение традиционного японского стиля. В 1880 году западный стиль искусства был запрещён на официальных выставках и подвергался резкой критике.

Период  Тайсё (1912–1926)
Эпоха Тайсё приходится на краткий период времени, лежащий между ускоренной модернизацией Японии в эпоху Мэйдзи (1868–1912 гг.) и агрессивным милитаризмом первых лет эпохи Сёва (1926–1989 гг.).

Период Тайсё начался 30 июля 1912 со смертью императора Муцухито (Мэйдзи, 1852–1912 гг.) и восхождением на престол наследного принца Ёсихито (1879–1926 гг.). Девизом своего правления новый император выбрал Тайсё, что означает «Великая справедливость». Слабое здоровье вынудило его удалиться от дел в 1921 году, и принцем-регентом был провозглашён его старший сын Хирохито (1901–1989 гг.), будущий император Сёва

В то же время, новый виток получило и развитие живописи. Традиционные жанры продолжали существовать, однако испытали значительное влияние Запада. Одновременно с этим, многие молодые художники увлеклись импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом, фовизмом и другими художественными направлениями, развивающимися в западных странах.

В общем, период Тайсё можно назвать временем смешения японских и западных черт и приёмов практически во всех видах искусства и творчества.

 Период Сёва (1926–1989)
Эпоха Сёва — период в истории Японии с 25 декабря 1926 года по 7 января 1989 года, когда императором был Хирохито (1901–1989 гг.). Девизом своего правления он выбрал Сёва, что можно перевести как «Просвещённый мир».

В истории послевоенной живописи одними из самых известных художников были Окумура Тогю (1889–1990 гг.), прославившийся изображением ста видов горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи (1908–1999 гг.), ставший известным, в частности, благодаря тому, что создал и отреставрировал стенные росписи многих японских дворцов и храмов (Императорского дворца, храма Тосёдайдзи и т. д.). В живописи на западный манер наиболее известным художником является Хаяси Такэси (1896–1975 гг.), в чьих работах можно проследить сильное влияние Сезанна, Пикассо, Модильяни.


Своеобразность и оригинальность японского искусства уже не одно столетие продолжает удивлять,
вдохновлять и даже вводить в замешательство европейских зрителей.
Ведь для того, чтобы понять истинный посыл и замысел художника, нужно хоть немного знать об истории и культуре страны восходящего солнца. Здесь каждая деталь или же её отсутствие способны в корне изменить смысл произведения. Да что там, даже интенсивность и стиль нанесения мазка имеют существенное значение
История развития японской живописи берет свое начало еще в III веке до нашей эры. Тогда довольно простые геометрические рисунки в основном наносились на гончарные и бронзовые изделия. Затем стали появляться изображения на стенах склепов, а с приходом буддизма религиозная тематика начала преобладать в изобразительном искусстве. Все чаще божества пантеона новой веры, а также сюжеты из жизни Учителя и его последователей появлялись на картинах японских художников. А помимо самого рисунка, присутствовал текст, который описывал либо дополнял сюжет работы.

Стоит отметить, что с момента появления письменности каллиграфия и живопись тесно переплетаются между собой на всех этапах развития японского искусства. В связи с этим большую роль играет линия, в то время как цвет и перспектива второстепенны. Этому свидетельствует существенное количество монохромных картин, где изображения подобны пиктограммам, которые несут свой собственный подтекст. Более того, эта особенность закрепилась как отдельный стиль к началу XIV века под названием суми-э.

Данная техника широко используется и сейчас для написания картин в различных жанрах, в связи с чем имеет множество форм. Поэтому предлагаем подробнее ознакомится с японской живописью суми-э, как с одним из наиболее ярких её направлений.
Японская живопись Суми-э

Дословно название этой монохромной живописи переводится как тушь и рисунок (суми — тушь, э — рисунок). Эта техника пришла в Японию из Китая еще в XII веке, когда странствующие буддийские монахи стали распространять китайскую культуру. Однако здесь она обрела иное, японское развитие, и сформировалась в отдельную характерную особенность живописи этой страны.

Как уже понятно из самого названия, в Суми-э художники используют лишь черную тушь, играя с насыщенностью цвета и создавая богатую палитру серых оттенков. Ведь несмотря на свою монохромность, одним из основных принципов этой техники является передача ощущения присутствия красок. Также здесь исключается создание каких либо предварительных набросков и эскизов, поэтому нанесение мазков должно быть отработано до автоматизма.

Еще одной особенностью является то, что в отличие от западных мастеров, перед художником не стоит задача четкого отображения реальности. Мастер передает суть картины пропуская увиденное через собственное восприятие. Таким образом перед зрителем открывается не достоверный пейзаж местности или портрет человека, а образ, который возник в воображении художника

Ведущую роль в создании картины играет и внутренний настрой. Важно прибывать в состоянии бесстрастного созерцания, как бы сливаясь с природой воедино. Наверное, именно поэтому птицы и цветы так часто встречаются на картинах японских мастеров и заслуживают особого внимания.

Японская живопись цветы



Философия японского искусства базируется на поиске изысканности и красоты в окружающей реальности. Ну а что, как не цветы, является их непосредственным воплощением. Тем более, что жителям Японии посчастливилось иметь возможность наблюдать за многими цветущими растениями, одним из которых является, конечно же, сакура. С древних времен и до наших дней цветение этого дерева не прекращает восхищать своей красотой, которая воодушевляет и вдохновляет поэтов, музыкантов и художников.

Но помимо сакуры, в этой стране есть еще множество прекрасных растений и цветов, которые обрели свой смысл и символику в искусстве и философии японцев. Так, например, хризантема считается символом солнца, изобилия и совершенства. А изображение этого цветка с 16 лепестками уже несколько веков является императорской печатью.

Особого внимания заслуживают и пионы, которые долгое время даже было запрещено вывозить за пределы страны. Они олицетворяют отвагу и мужество в японской культуре, и часто изображались на доспехах самураев. Также к списку почитаемых и распространенных в живописи цветов относится гортензия. Согласно легенде, в день рождения Будды с неба пошел дождь из этих прекрасных цветов. Поэтому не удивительно, что изображение этого цветка стало характерным для суми-э, пришедшего с буддийскими монахами.

Помимо вышеперечисленных цветов, своей символикой обладают ирисы (героизм и воинственность), гибискус (изобилие), дикая орхидея (целомудренность), камелия (стойкость и долголетие), глициния (юность и грация), ипомея (мимолетность и неповторимость), лилия (открытость) и конечно же роза (любовь). Все они стали важной частью японской живописи как в качестве основного элемента картины, так и неся свой собственный смысл в деталях сюжетных работ.
Путеводитель по японскому искусству 


Мне нравится:
2
Поделиться
Количество отзывов: 0
Количество сообщений: 0
Количество просмотров: 23
Рейтинг произведения: 4
Метки: река жизни,izokeanaslov,Alinanatali69,живопись.,
Рубрика: Блоги ~ Обзоры
Свидетельство о публикации: №1221026265
© Copyright: Alinanatali69, 26.10.2022г.


00
Есть вопросы?
Мы всегда рады помочь! Напишите нам, и мы свяжемся с Вами в ближайшее время!

1
1