Арт-путеводитель "История картины"

Андрей Рублев: история знаменитой иконы «Троица»

 Среди православных распространено мнение, что рукой иконописца движет Создатель. Мы расскажем о нескольких наиболее ценных для истории и культуры России иконах. Почти все они входят в сокровищницу мировой культуры и с этой точки зрения — бесценны. Вряд ли они когда-либо попадут на знаменитые аукционы, но эти образа знакомы не только людям, исповедующим православие, но и всем, кто интересуется искусством и историей России.«Троица» Андрея РублеваИстория «Святой Троицы», авторство которой приписывается знаменитому иконописцу Андрею Рублеву, запутана. Достоверных фактов об этом главном произведении православного искусства, сохранилось мало. Не удалось восстановить, в каком именно году был написан Рублевым этот шедевр, кто сделал заказ на написании образа.
Невозможно поверить, но пять столетий икона провисела на одной из стен Троицкого собора в знаменитой Троице-Сергиевой лавре. Ничем особым не привлекала внимания прихожан и монахов: не чудотворила и не мироточила.Отношение к иконе стремительно поменялось в начале ХХ века, когда древнерусскую иконопись стали рассматривать как искусство.На написание Рублева вдохновила притча «Гостеприимство Авраама» из Ветхого Завета. Праотец Авраам встречается с тремя таинственными незнакомцами, позже выяснится, что это были не обычные путники, а ангелы. Они предсказали, что миссия Авраама — воспитание сына, которому предстоит встать во главе иудейского народа. После завершения беседы ангелы принимают решение разделиться: один остается с Авраамом, а двое других отправляются расправляться с грешниками Содома.Этот сюжет истолковывали по-разному. Одна из самых распространённых версий, что таким образом Создатель донес до христиан сущность трех божественных ипостасей Святой Троицы
Нарушение канонаДо Рублева иконописцы, работавшие с этим сюжетом, изображали всех героев притчи, включая Авраама и его жену Сару. Художник решился на новый вариант: перед нашим взором предстает только Троица. Рублев на иконе расположил ангелов таким образом, чтобы силуэты фигур образовали круг. Ангелы одеты в небесно-лазурные одежды (в иконописи это символизирует неземную сущность), в руках они держат скипетры (обозначают высшую власть).На знаменитой рублевской иконе Троица изображена сидящей за столом. На нем видим чашу с головой тельца, которая символизирует страдания Иисуса. Эта чаша — смысловой центр изображения.На заднем плане видим изображение дома, в котором жил Авраам с семьей, дерево (ассоциируется с древом жизни, посаженным в Эдеме), гору (прообраз Голгофы, куда предстоит подняться Сыну Божьему).Возвращение «Троицы»Кто и когда внес коррективы в икону, мы уже вряд ли узнаем достоверно. В начале ХХ века икона попала на реставрацию, ее «открыли», расчистили от нанесенных слоев олифы, стерли нанесенное на изначальный слой изображение. Реставраторов ожидало настоящее чудо, все буквально замерли перед открывшейся красотой авторского рисунка. Под неяркими красно-коричневыми красками оказались спрятаны изображения, написанные в солнечных оттенках. Такая манера письма была свойственна итальянским иконописцам. Искусствоведы уверены в том, что Рублев никогда не был в Италии, а значит не мог позаимствовать их манеру написания божественных ликов.
Сразу после того, как с иконы был снят корректирующий слой, она начала стремительно разрушаться. Несколько раз отправлялась на реставрацию. Сейчас увидеть икону Андрея Рублева можно в Третьяковской галерее.

«Прозерпина» Данте Габриэля Россетти

 «Прозерпина» — картина, созданная Данте Габриэлем Россетти (Dante Gabriel Rossetti) в 1878 году по мотивам мифа о богине, которую похитил влюбленный бог подземного мира и обманом принудил проводить в своем царстве часть года. Главная героиня произведения — прекрасная темноволосая женщина в свободных одеждах. В руках она держит надкушенный гранат — тот самый роковой фрукт, который стал причиной ее заточения. Рядом стоит курительница, на заднем плане вьется плющ, который художник назвал «символом неотпускающего воспоминания». На лице Прозерпины тоска и печальная задумчивость. Богиня выглядит отрешенной, погруженной в мысли о своем беззаботном прошлом. Россетти очень ярко передал ее внутреннее напряжение: несколько неловкий наклон головы, странное положение рук: одна как будто тянется поднести гранат ко рту, а другая ее удерживает. Мрачность атмосферы подземного царства подчеркивают темные приглушенные тона. Пятно света за спиной Прозерпины, призванное напомнить о мире живых, лишь усугубляет ощущение гнетущей печали.
Данте Габриэль Россетти — британский живописец и поэт XIX века, родоначальник течения прерафаэлитов. В позднем периоде творчества музой и главной моделью картин автора стала жена его друга Джейн Моррис. Именно ее художник изобразил в образе Прозерпины, намекая на сходство судеб Джейн, связанной узами брака с нелюбимым мужчиной, и древнеримской богини, заточенной в царстве мертвых. Об этом же говорится и в сонете, который мастер поместил в верхнем углу шедевра.Эта картина, как и другие женские портреты Россетти, пронизана эстетизмом и романтизмом. Все в облике Прозерпины подчеркивает ее изысканную красоту: тонкие черты лица, глубокий одухотворенный взгляд, одежда, ниспадающая изящными складками. С общей темной цветовой палитрой диссонируют красные губы героини, глубокий чувственный цвет которых совпадает с оттенком мякоти надкушенного граната — аллегория запретной страсти, приведшей богиню к печальному финалу.Мифологический сюжет не отпускал художника больше декады. Наиболее известна работа 1974 года, ставшая экспонатом Галереи Тейт.
Картина 1878 года приобрел поклонник его творчества из Шотландии. Затем шедевр сменил владельца, а в 2013 году был продан на аукционе Sotheby’s в Лондоне за рекордную для автора сумму в 5,3 млн долларов.Картина «Прозерпина» Данте Габриэля Россетти — произведение, в котором причудливым образом сплелись трагичная история богини, познавшей запретную страсть, и противоречивые эмоции автора, влюбленного в свою модель.

Картина «Танец» Дали и семья Эскобар. Танец или проклятье?

 Сальвадор Дали писал картины-романы, картины-пьесы, где за каждым мазком скрывался лихой или размашисто-величавый поворот сюжета. Но были у художника полотна, которые сами становились героями захватывающих событий. А, возможно, в какой-то степени и их причиной. Одну такую историю рассказала Виктория Энао, жена Пабло Эскобара. Рассказ ее касался картины «Танец».
 
Вдова наркобарона пишет, что картина сразу поразила ее яркой динамикой, фантастической сексуальностью мужчины и женщины, танцующих среди песков пустыни. Виктория считает, что для семьи Эскобар это полотно послужило оберегом, сохранившим семью во время бедствий и, в итоге, спасшим супругу и детей наркобарона. Но, быть может, оно на самом деле сыграло в этих событиях другую, зловещую роль?Первая версия «Танца» не была похожа на финальную: нарисованные изможденные фигуры словно изломаны страданием. Картина была заказана для декора одной из постановок в Театре Зигфельда — она была частью серии полотен. Когда в 1956-м в нью-йоркском пригороде сгорел дом владельца, «Танец» (первая его версия называлась иначе) тоже превратился в пепел. Узнав о несчастье, художник предложил — не бесплатно, разумеется, — переписать картины, на что бывший уже владелец полотен Роуз согласился. Работа велась в Порт-Лигате, где обитал Дали. Вторая версия «Танца» отличалась от первой — фигуры танцоров за исключением двух исчезли, изменился фон и детали картины.
В 1988 году полотно переехало из Нью-Йорка в Колумбию, став частью коллекции Эскобар. Супруга наркобарона, которой на тот момент было чуть больше двадцати, писала, что в живописи она пряталась от хаоса, насилия, царившего вокруг ее семьи. При этом сам Пабло работами художников не интересовался — страстью наркобарона стали авто и разнообразный антиквариат.
Полотно повесили в библиотеке семейной квартиры, там оно и находилось, когда здание взорвали. Удивительно, но картина не пострадала и была перевезена Викторией в другой дом Медельины. В 1993 это «место жительства» шедевра подожгли ненавистники наркобарона, входившие в организацию Los Pepes. Все думали, что картина сгорела вместе с особняком, но в декабре 93-го, уже после убийства мужа, вдове неожиданно вручили предложение от лидера Los Pepes.Выяснилось — полотно украли прежде чем сжечь дом, а теперь готовы отдать вдове, чтобы она смогла избавиться от врагов супруга. Бывшая мадам Эскобар отказалась, не желая, чтобы в ней и детях видели угрозу. Возможно, сей жест и убедил людей, ненавидевших Эскобара, в том, что его семья не представляет опасности. Виктория с детьми сумела уехать из полыхавшей Колумбии в спокойную Аргентину.В 94-м «Танец» был выставлен на аукцион и продан японскому бизнесмену, а в 1999-м стал частью коллекции Музея современного искусства в префектуре Фукусима. Если бы Дали был жив, он, вероятно, оценил бы всю трагичность цепочки событий, происходивших вокруг его творения.

Густав Климт «Даная» 

 «Даная» — картина знаменитого австрийского художника Густава Климта (Gustav Klimt), своеобразная интерпретация известного древнегреческого мифа. Зевс был пленен красотой девушки, заключенной в темнице, и явился к ней в виде золотого дождя. Считается, что на произведении изображен момент зачатия. Мы видим, как капли дождя сливаются с телом Данаи. Искажение пропорций, поза героини, словно находящейся в тесном пространстве, ее выражение лица — все это придает изображению еще больше сексуальности. Элементы орнамента, золотистые оттенки сглаживают впечатление, делая работу эротичной, но не пошлой.Густав Климт — художник XIX-XX веков, один из самых известных представителей венского модерна. В творчестве живописца важное место занимала обнаженная женская натура. В его работах олицетворяется вся чувственность и сексуальность представительниц прекрасного пола.В конце 90-х гг. ХIХ века начинается «золотой период» в творчестве мастера. Путешествуя по Италии, Густав Климт посещал соборы и церкви. Там его восхитила роскошная мозаика, автор оценил декоративную привлекательность золота. В этот период и была написана «Даная».Согласно древнегреческому мифу, царь Акрисий получил страшное предсказание: его собственный внук станет причиной его смерти. Тогда он заключил свою дочь в темницу, чтобы ни один мужчина не смог до нее добраться. Конечно, это не могло стать преградой для могущественного Зевса.Критики в свое время не особо лестно отзывались о «Данае» и других работах автора. На него сыпалось множество язвительных замечаний, в том числе о безнравственности картин. Тем не менее Густав Климт всю свою жизнь был любимцем публики.

Анри Руссо "Спящая цыганка"

 Картину «Спящая цыганка» Руссо предлагал приобрести мэру своего родного города Лаваля за 2000 франков. Тот даже не удостоил послание ответом. Зато это письмо послужило доказательством авторства – многие полагали картину розыгрышем Дерена, якобы написавшего её «под Руссо».

Как мечтал Таможенник (под таким прозвищем Руссо вошел в историю мировой живописи) прославиться в качестве художника-реалиста, как искренне верил, что его картины – реалистические! С какой надеждой именовал он себя в биографии, которая так и не будет опубликована, «одним из наших лучших художников-реалистов современности».

Своими учителями Руссо считал популярных в то время Феликса Клемана и Леона Жерома. По его словам, он «пользовался некоторыми советами» этих живописцев. Не факт, что они сами об этом знали, по крайней мере, о встречах с Жеромом ничего неизвестно, хотя, по слухам, мэтр салонной живописи как-то раскритиковал в пух и прах картины Руссо (и Моне тогда тоже досталось).

Тем не менее, Руссо очень старался работать в реалистическом стиле и подражал своим учителям: Жером достаточно много писал диких животных, любил их изображать и Таможенник. В частности, эта картина вдохновлена «Святым Иеронимом» Жерома. Если святой может спать, облокотившись на льва, что мешает спящей цыганке соседствовать со львом?

Дополнительным подтверждением того, что картина написана в реалистическом стиле, по мнению Руссо, были детали – раз пустыня, так вот же и кувшин с водой. В письме мэру художник старательно подчеркивал этот факт: «рядом с ней изображён лежащий кувшин (внутри него питьевая вода)». Мандолина возле спящей, по задумке Руссо, должна свидетельствовать о роде её занятий.

Цыганка изображена в стилистике восточных женщин, цветная одежда контрастирует с темным тоном лица. Изображение двухмерно. Конечно, это не реализм. Но неумение Руссо выстраивать перспективу и соотносить размеры обуславливает грандиозность картины, придает ей ощущение некой монументальности и, пожалуй, даже мифологичности. Подобное можно наблюдать в работах грузинского самоучки Нико Пиросмани.

Ни Руссо, ни Пиросмани не умели создавать пространственные конструкции на холсте. Но в некоторых случаях неумение и незнание того, «как это делается», приводят к росту мастерства в другом направлении. В частности, Руссо – блестящий колорист, во многих работах он вполне успешно создает перспективу исключительно посредством виртуозного использования цвета.

О «Спящей цыганке» Руссо сказал, что она утопает в лунном свете. И действительно, прохладный, спокойный свет заполнил холст, создавая ощущение умиротворения и гармонии, несмотря на сюжет, который теоретически о «жажде крови». Таможенник часто сопровождал свои картины длинными подписями. В частности, когда «Цыганка» была выставлена на Салоне независимых, к раме картины художник прикрепил пояснительный текст: «Хищник, обуреваемый жаждой крови, застывает на месте, не решаясь наброситься на крепко спящую обессилевшую жертву».

Но спящую жертву и льва заливает лунный мягкий свет, поэтому мы знаем, что драмы не будет. Собственно, как ее нет и в прообразе, подтолкнувшем Руссо к написанию этой картины – Святой Иероним спокойно спит на льве.

Поскольку мэр Лаваля предложение Руссо проигнорировал, картина оказалась в частной коллекции в Париже. В 1924 году ее приобрел коллекционер Даниэль-Анри Канвейлер, а позже у него перекупил для Нью-йоркского музея историк искусства Альфред Барр.

Ян ван Эйк, «Портрет четы Арнольфини»

 Это одна из самых загадочных картин в мировой живописи. Полагают, что на картине изображен итальянский торговец Джованни ди Николао Арнольфини и его супруга в их доме в Брюгге. А вот дальше начинаются загадки. Почему супруги разуты (их снятая обувь присутствует на полотне)? Почему над мужчиной горит свеча в люстре, а над женщиной — нет? Неужто так художник дает понять, что к моменту завершения картины жены Арнольфини уже не было на свете, и эта картина была заказана в память о ней? И обратите внимание на зеркало. Там видим не только отражение супругов. Что за фигуры? Свидетели? «Похоже, один из них — сам живописец, судя по изящной надписью между зеркалом и люстрой: «Johannes van eyck fuit hic» или «Ян ван Эйк был здесь». И это еще не все тайны культового полотна — искусствоведы вряд ли в ближайшее время придут к единому мнению по поводу этой работы.

  «Портрет четы Арнольфини» – пожалуй, самое узнаваемое произведение Яна ван Эйка наряду с Гентским алтарём. Эта картина считается одной из самых оригинальных и загадочных в западном искусстве, благодаря своей красоте, сложной иконографии, геометрической ортогональной перспективе и расширению пространства с помощью зеркала. Многие вопросы, относящиеся к ней, до сих пор не получили однозначного ответа и являются предметом многолетних споров между учёными.

Прежде всего, искусствоведы не могут прийти к общему мнению, является ли этот двойной портрет свадебным. Некоторые эксперты видят в нём уникальную форму брачного контракта, заключение которого засвидетельствовал сам художник. Однако Национальная галерея в Лондоне, где хранится шедевр, однозначно заявляет, что это – изображение супружеской пары, но не бракосочетание. Это мнение считается наиболее авторитетным на сегодняшний день.

С большой долей вероятности можно лишь утверждать, что на картине изображён итальянский торговец Джованни ди Николао Арнольфини и его супруга, вероятно, в их доме в Брюгге.

Второе предложение в описании картины на сайте Национальной галереи начинается словами «Его жена не беременна…». Действительно, присмотревшись, можно увидеть, что иллюзию округлого живота образуют складки тяжёлого платья, которые дама собрала и держит под грудью. Вообще же изображение беременных в эпоху Ренессанса считалось неподобающим, а в третьем триместре женщины на сносях находились дома и не появлялись на людях. Жест героини картины, который сейчас интерпретируется как намёк на будущее материнство, тогда был признаком женской скромности – девушкам предписывалось на публике благопристойно держать руки на поясе.

Тем не менее, указания на беременность или её ожидание на картине присутствуют – начиная с созревших плодов на подоконнике и заканчивая деревянной статуэткой святой Маргариты, покровительницы рожениц. Она изображена побеждающей дракона ереси на спинке кровати – рядом с головой женщины.

Некоторые учёные по ряду признаков предполагают, что молодая дама на портрете на самом деле скончалась за год до написания картины или во время работы над ней. Например, в железной люстре над мужчиной изображена горящая свеча, а над женщиной – погасшая. Второй признак – сцены Страстей Христовых, выписанные в крошечных (в половину ногтя) медальонах в раме зеркала за спиной героев. Со стороны Арнольфини находятся прижизненные сцены Иисуса, со стороны жены – сцены после смерти. Впрочем, версия о посмертном портрете также подвергается сомнению.

Искусствоведы не надеются когда-нибудь точно понять, что представлено на картине. Несомненно, что это не просто двойной портрет, здесь происходит нечто важное. Руки пары соединены, оба разулись (ноги женщины скрывает юбка, но у дивана в глубине комнаты стоят её туфли). Всё это имеет символическое значение. Отсутствие обуви на ногах, например, может указывать на некое священое событие, а горящая свеча в люстре быть символом присутствия Бога.

Подняв руку, мужчина либо произносит некую клятву, либо просто приветствует посетителей, которых можно рассмотреть в зеркале. В нём видно, что на пороге комнаты (как раз на месте зрителя) стоят два человека – возможно, свидетели происходящего. Похоже, один из них – сам живописец, что подкрепляется изящной надписью между зеркалом и люстрой: «Johannes van eyck fuit hic» или «Ян ван Эйк был здесь». Таким образом создаётся ощущение присутствия художника и его свидетельствования.

Герои картины были очень состоятельными. В каком-то смысле «Портрет четы Арнольфини» можно назвать портретом богатства. В начале XV века Брюгге был экономически процветающим городом и крупным торговым центром Северной Европы, а семейство Арнольфини – влиятельной финансовой династией. О достатке супругов свидетельствует множество деталей – от их одежды до меблировки комнаты. По одной из версий, мужчина – в торжественной обстановке и в присутствии свидетелей – передаёт своей жене права на управление частью их имущества.

Собака, стоящая между мужем и женой, является символом преданности и верности – это животное часто включали в парные портреты супругов. Ещё один интересный элемент – апельсины, лежащие на подоконнике. Они также могут подразумевать богатство, поскольку эти плоды во Фландрии стоили очень дорого. Есть предположение, что Арнольфини привозил их в страну, и это – отсылка на источник его состояния. Ковёр на полу комнаты также указывает на зажиточность и вкус хозяев дома.

Стоит отметить ещё одно неверное толкование этой картины: многие уверены, что действие происходит в спальне. Однако в XV веке в Низинных Землях у помещений в домах не было чёткого предназначения. Кровати могли стоять где угодно, в том числе – и в комнате, где принимали гостей. Разделение покоев на парадные, предназначенные для визитёров, и внутренние произошло значительно позже.

В «Портрете четы Арнольфини» Ван Эйк продемонстрировал себя новатором, использовав масляные краски вместо более распространённой тогда темперы. Благодаря им, он смог достичь сияющего эффекта и богатства цвета, которые невозможны с темперой. Художник наносил один полупрозрачный слой краски поверх предыдущего ещё до того, как тот окончательно высыхал, получая слитные мазки и смягчённые контуры. Просвечиваясь друг под другом, эти слои создают невероятно глубокие насыщенные цвета, иллюзию трёхмерного изображения и придают поверхности картины эмалевидный эффект.

Современный британский художник Дэвид Хокни при поддержке американского специалиста в области оптики Чарльза Фалько выдвинул гипотезу о том, что резкий переход от средневековой упрощённости изображений к ренессансной реалистичности связан с использованием оптических приборов, а не с развитием мастерства художников. Одним из подтверждений своей теории авторы считают работу Яна ван Эйка, который, по их мнению, писал «Портрет четы Арнольфини» по проекции, полученной с помощью вогнутого зеркала. Хокни указывает, что люстра на картине изображена в «идеальной проекции», чего, якобы невозможно достичь без вспомогательных средств. Кроме того, под этим фрагментом нет предварительного рисунка.

Однако учёный Дэвид Сторк из Стэнфорда доказал, что рисунок люстры выполнен с ошибками, и что её можно нарисовать без специальных приспособлений. Кроме того, чтобы достичь желаемого эффекта, Ван Эйк должен был взять сферу диаметром около двух метров, а в его время такие ещё не производились.

Вытянутые фигуры, непропорциональные по отношению к окружающим предметам, несоблюдение правил перспективы и отсутствие интереса к человеческой анатомии говорят о том, что перед нами – картина не итальянского, а Северного Возрождения, для которого была характерна точная передача текстур и кропотливое исполнение мельчайших деталей.

Дезинтеграция постоянства памяти - Сальвадор Дали (1954)

  Дезинтеграция постоянства памяти - картина, написанная Сальвадором Дали в 1954 году, в самый разгар его "ядерно-мистических поисков", и ставшая своебразным "римейком" известнейшей его работы периода сюрреализма "Постоянство памяти" (1931).    В этом смысле "Деизнтеграцию постоянства памяти"  можно рассматривать,  как работу декларативную, укаывающую на то, что Дали расстался с эстетическими и идейными убеждениями сюреализма и отныне его триединым Богом, его "святой троицей" стали: Классицизм, Каталоцизм, Квантовая Физика. 

  В картине "Дезинтеграция постоянства памяти", нижняя часть, в сравнении с оригиналом 1931 года, оказалась под водой, а скалы мыса Креус, напротив, парят над водной поверхностью, не касаясь её: эта невесомость - типичная деталь многих работ Сальвадора Дали ядерно-мистического периода.  Точно так же на составные элементы в форме "кирпичиков" материи, левитирующих, не соприкасаясь друг с другом, распадаются и стол, и поверхность долины Ампурдан.

  "Дезинтеграция" затронула и знаменитые "мягкие часы" Дали, и иссохшую оливу, и центрального персонажа в виде спящей головы - этот вариант автопортрета повсеместно присутствует в работах Сальвадора Дали начала 30-хх.  Принципиально новым элементом, отсутствующим в оригинале, является рыба, но и здесь никакой загадки нет, хотя многие интерпретаторы склонны утверждать обратное. Рыба - символ Христа и Христанства в целом, и во многих работах Дали 50-хх годов рыба присутствует именно в этом качестве. Вспомним, 50-ые годы - время, когда известный воинствующим атеизмом Дали повсеместно и громогласно начал именовать себя "католиком до мозга костей", хотя есть основания полагать, что в декларациях своих он был не совсем искренен - или, во всяком случае, выдавал желаемое за действительное.

Середина 20-го столетия - абсолютное торжество ядерной физики. После того, как 6 августа 1945 г. на Нагасаки была сброшена атомная бомба, атом стал занимать все мысли Дали. Заключенная в  нем разрушительная энергия буквально загипнотизировала художника. Отсюда левитация, невесомость и "несоприкасаемость" элементов в работах Сальвадора Дали "ядерно-мистического"периода. 

Отдельно следует упомянуть и четвертый циферблат мягких часов, отсутствующий в оригинале, но появившийся в "Дезинтеграции" - это отсылка к четвертому измерению, которое также занимало мысли Дали - в особенности, с 60-хх.  В то время Дали активно искал все новые способы самовыражения, от двухмерной ограниченности холста перемещаясь к стереоскопии, а затем и к голограммам, от которых, как был уверен Дали, он сможет перейти к 4-му измерению, что, в свою очередь, дарует ему бесмертие.  Еще один по-своему забавный новый элемент относительно оригинала - фрагменты материи, напоминающие по форме носорожьи рога. В это время Дали был буквально околдован формой носорожьего рога и заявлял, что рог носорога - самое совершенное, что создала природа, поскольку он в точности напоминает двойную логарифмическую спираль ДНК.